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Incluso los estudiantes que han recibido lecciones vocales durante mucho tiempo y cuya emisión de voz es bastante estable desean nuevas lecciones.
Cuando se les pregunta qué más quieren aprender, su respuesta suele ser sorprendentemente vaga.
El estudiante A, que canta lo suficientemente bien, dijo: «También me gustaría aprender algo sobre los géneros. Siento que mi canto carece de cierto sabor. Creo que canto bien, pero no tiene estilo».
Tras intercambiar algunas frases y abordar esa vaga insatisfacción, a veces se revela una profunda necesidad de «groove».
En la música, el groove es una expresión de un nivel ligeramente diferente a la precisión del compás o del ritmo. A menudo se dice que «canta con mucho sabor» o que «tiene buen groove», pero no es fácil explicar de dónde proviene ese sabor.
La música clásica, el musical y la música popular tienen patrones de ritmo y expresión diferentes entre sí, y dentro de la música popular, las formas de canto del rock, el R&B y el jazz son cada una distintas. El hecho de que la afinación y el compás sean precisos no es suficiente para expresar esas diferencias.
Si se colocan la afinación y el compás en los ejes X e Y, el groove puede compararse con el eje Z, que añade profundidad al plano. Incluso cantando la misma nota en el mismo compás, se crea una impresión completamente diferente según el punto de inicio del sonido y la forma de transición a la siguiente nota. Entre las notas escritas en la partitura también quedan numerosos movimientos a elección del cantante.
Si la letra tiene gramática, el canto tiene tono de voz. Al igual que la misma oración suena diferente según la entonación, la velocidad y el acento, la canción también posee un tono de voz propio. El cantante ha desarrollado su propio tono de voz con el tiempo, y existe también un tono de voz adecuado al género y carácter de la canción. Por eso es tan necesario poseer un estilo propio como comprender y manejar las formas de expresión de otras músicas.
Es fácil decir que el groove es un sentido innato. De hecho, hay personas que reciben el ritmo instintivamente y lo expresan con naturalidad. Sin embargo, si resulta difícil implementarlo por intuición, debe analizarse y aprenderse. Es también un ámbito que las lecciones vocales deben abordar.
Incluso dentro de la balada, la balada R&B y la balada coreana tradicional presentan características rítmicas diferentes. En las baladas influenciadas por el R&B, a menudo se destacan el contratiempo en los tiempos 2 y 4, un timing flexible y movimientos sutiles entre las notas. Por otro lado, en la balada coreana, sobre el flujo básico de fuerte-débil-medio fuerte-débil-medio fuerte, también se enfatiza una expresión que preserva frases largas adecuadas a las oraciones de la letra. Por supuesto, no es posible clasificar todo un género bajo una única fórmula.
Esta diferencia también puede aprovecharse en sentido inverso. Se pueden aplicar el tratamiento rítmico y los acentos característicos del R&B a una balada coreana, o se puede intentar transformar una balada R&B en una expresión más sobria centrada en el compás exacto. También es posible interpretar la misma canción con la sintaxis del rock o del jazz. Es decir, se puede cambiar el carácter del canto sin alterar la propia melodía.
Para ello, es necesario examinar con mayor detalle los espacios entre las notas. Se puede comenzar observando la subdivisión de corcheas y semicorcheas, así como el movimiento triplete del shuffle y el swing. También debe elegirse si el punto de inicio del sonido se colocará en el compás exacto, o si se tratará con un push (adelantado ligeramente al tiempo) o un layback (retrasado respecto al tiempo). La sensación rítmica de la canción cambia según dónde se coloque el peso entre los tiempos 1 y 3 o los tiempos 2 y 4, si el ataque se da corto y claro o se conecta suavemente, y cuánto se mantenga la vocal.
En las lecciones, en lugar de cambiar todos estos elementos a la vez, se pueden ajustar uno por uno para comparar. Por ejemplo, mover solo la posición del acento en la misma frase, variar el momento exacto en que comienza el sonido o modificar la conexión entre las notas. Incluso en el proceso de imitar la canción original, es necesario saber qué se está reproduciendo y cómo. Solo cuando se puede escuchar esa diferencia e implementarla con la propia voz, se puede aplicar a otras canciones.
Dicho esto, el groove no se completa únicamente con la combinación de algunas técnicas. El layback no siempre resulta más sofisticado, ni dividir las notas en fragmentos pequeños garantiza necesariamente una expresión más rica. Un tratamiento rítmico que no considera el flujo de la canción y el carácter del acompañamiento puede sonar incluso incómodo. Aprender las técnicas y juzgar dónde utilizarlas deben realizarse simultáneamente.
«¿Se puede aprender el groove?» Es una pregunta que se escucha a menudo durante las lecciones. La respuesta es sí. Se puede aprender. Desde la perspectiva del entrenador, se puede enseñar. Si se tiene un sentido rítmico innato, el rango de expresión se amplía más, pero incluso sin ello, mediante el entrenamiento de escuchar y ajustar con precisión los movimientos entre las notas, se puede añadir tridimensionalidad a la canción.
La canción es un arte auditivo. Lo importante es que la intención expresiva se transmita a través de la expresión. Lo que finalmente necesita el estudiante que al principio en la sala de lecciones preguntaba «¿Por qué mi canto no tiene sabor?» es, en última instancia, ese proceso de reducir esa diferencia. Dar un paso más allá de ajustar con precisión la afinación y el compás: la capacidad de elegir y expresar por uno mismo cómo llenar los espacios intermedios. Aprender groove es precisamente adquirir esa capacidad.
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