[Voz y primer año] 20. ¡Copia!: Encontrar la obra maestra de un gigante sin perderse a uno mismo

Este contenido ha sido traducido por IA.

Ayer visité un estudio de grabación de un grupo de debutantes.

Eran miembros que, al igual que su impresionante apariencia visual, brillaban con ojos encendidos y practicaban sin descanso de día y de noche. Sin embargo, al escuchar sus voces mientras cantaban estrofas dentro del estudio de grabación, persistía una sensación de insatisfacción por algo que faltaba. Su sonido, en comparación con sus miradas llenas de pasión, sonaba en algún punto artificial y forzado.

Durante el descanso, el productor, con el monitor de los altavoces apagado, me dirigió una opinión en voz baja con una expresión seria. El productor dijo: «No se trata de un problema de habilidad o pasión de estos chicos, sino que quizás deberíamos revisar desde cero y con calma su enfoque de «copiar» la canción demo». Esas palabras plantearon un tema de reflexión profundo también para mí, quien ha estado reflexionando sobre la voz durante mucho tiempo.

Hoy en día, la industria del K-pop activa sus propios procesos de producción eficientes para reflejar las tendencias globales de la manera más rápida posible. Cuando llega la canción demo, se construye sobre esa base para completar la obra añadiendo letras en Hangul. En este proceso, la tarea de integrar de forma natural los matices precisos de la canción original en las letras en Hangul mediante la copia de la demo es muy importante y se convierte en un paso esencial para el crecimiento de los estudiantes que aprenden a cantar.

El problema es que la cantidad y los criterios de «copia» que muchos practicantes tienen a menudo difieren de los del productor o del director vocal. Desde la perspectiva del practicante, puede que se haya preparado con todo el esfuerzo posible, pero aún se encuentre en un estado insuficiente para grabar un álbum profesional.

Si se entra al estudio de grabación con un estado de copia no preparado, inevitablemente se pierde dentro del estudio. Se termina repitiendo mecánicamente varias grabaciones mientras se realizan ajustes fragmentarios con el director, como «un poco más largo» o «más corto que ahora». Si este proceso se alarga, el cantante no sentirá la satisfacción de un impulso musical al avanzar en la grabación, sino una sensación de fatiga por el agotamiento de la energía. El estudio de grabación debe ser un espacio donde, bajo la «guía» detallada del director, se eleve la capacidad del artista. No puede convertirse en un aula de lecciones donde se recibe una «enseñanza» básica.

Otro punto que no se debe pasar por alto al realizar la copia es el hecho de que la canción es, en esencia, «música». Se debe copiar también los principios musicales, como el principio de la progresión de acordes y los patrones rítmicos. Sin embargo, si se omite esta parte y se practica solo con el texto de la letra, se pierde el eje vertical (eje Y) que crea la tridimensionalidad de la música, quedando con una canción plana que solo tiene el eje horizontal (eje X).

En definitiva, para subir a los hombros de un gigante y contemplar un horizonte musical más amplio, debe preceder el proceso de profundizar meticulosamente en la música. La interpretación vocal de un artista excelente es como un plano detallado y preciso que se completa al encajar una interpretación musical minuciosa.

Lo que nosotros, es decir, los profesionales de la música y los compositores, llamamos «copia», va más allá de simplemente seguir la afinación y el ritmo. Es un trabajo que persigue obsesivamente las intenciones detrás del plano: por qué el compositor cortó el aliento en ese momento, por qué empujó el sonido en esa palabra y por qué relajó la fuerza allí.

Cuando se comprende el contexto musical, como «¿por qué se eligió la voz de cabeza en lugar de la voz de pecho en ese tono agudo?» o «¿por qué se utilizó un tono tan indiferente en esta melodía apasionada?», es entonces cuando se crea en mi interior la justificación subjetiva para cantar.

De este modo, el proceso de copia que se toca con tanta delicadeza es en sí mismo el «método correcto de subir a los hombros de un gigante sin perderse a uno mismo». Es necesario un proceso de copia obsesivo que profundice hasta la esencia de la música, para no quedarse en una superficialidad ligera carente de detalles.

Ahora, antes de comenzar a cantar, intentemos esbozar primero el plano de la canción mediante la copia. Dejemos los equipos a un lado y analicemos y anotemos en los márgenes de la letra el «subtexto» oculto en los espacios entre líneas, repasemos la progresión de acordes y abramos la partitura para identificar la línea melódica.

Antes de emitir la primera nota, analizar y copiar detalladamente la razón del aliento que el compositor tuvo en mente. Ese es el punto de partida para convertirse en un verdadero vocalista que pueda cantar con confianza incluso frente al micrófono del estudio de grabación.

© STARNEWS. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción

Este contenido ha sido traducido por IA.